登上“新舞台”，描绘“新现实”

发布时间：2025-11-29 20:31:52  浏览量：37

1996年的中贸圣佳“现实：今天与明天”中国当代艺术大展，其中以“新舞台·新现实”专题对现实艺术新格局中多元创作的呈现与梳理。本次中贸圣佳30周年秋拍现当代艺术专场承续了这一专题的核心精神，在当代社会与艺术语境的持续更新变化之中，聚焦艺术家的敏锐感知与创新探索。

从最初的“破局”尝试，到如今的“立命”实践，当代艺术家们通过多元媒介与个体经验，持续发掘并回应着全球化、消费主义等“新现实”命题。在不断变化的社会语境中，个体与集体的叙事交织，在艺术家的画笔下构建起新的价值与社会意义。他们以更为敏锐的艺术触觉，和当代社会更包容的创作生态，让艺术不再是孤立的审美对象，而成为构筑当代精神的“新舞台”。

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石冲（1963-2025）

水、空气与身体之三十二

2014年

布面油画

32×41cm

款识：石冲 shichong 2014(右下)

展览：

呼吸·在纸上—石冲作品展，AYE画廊，北京，2015年

出版：

《呼吸·在纸上—石冲作品展》，2015年，内页

来源：

亚洲私人收藏

估价：RMB 150,000-200,000

从现实性讲，画面表层仿佛是隔距对象且布满水迹的玻璃板;但从语言表达上看，这里却留下作者发挥想像、创造力和精神指向的空间：他可以把对象处理得清晰或者模糊，也可以把背景处理得真实或者虚幻，而这种意象化的人体突然遭遇水痕溶滴的任意侵袭，显然处于被破坏的陌生化状态之中。而石冲借此要破除的，正是日常视觉在女人体上寻找的圆满、完美和不愿坦然承认的色情。那些斑驳如伤痕、虚拟而溃散的人影，让我们在物质与语言的冲突中感到紧张和焦虑，我们不得不向没有深度的画面要求精神深度——在石冲的画前，精神的失落与寻觅相通而并存。

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赵洋（B.1970）

美人鱼之家

2011年

布面油画

200×150cm

签名：赵洋 2011（右下）

展览：

阿赖耶——赵洋个展，chi K11美术馆，上海，2018年

出版：

《赵洋》，香格纳画廊，2016年，第9页

来源：

亚洲私人收藏

估价：RMB 100,000-150,000

赵洋的绘画徘徊在现实生活的平常事物与东西方神话传说故事、寓言之间，构成隐喻与象征的载体，集中体现出“混沌”与“杂交”之后的图像。其造型抽空了特定的时空背景，有的甚至是夸张而无厘头的，像纪念碑一样矗立于画面当中，充满虚无主义色彩与浪漫主义气息。绘画中的差异性和统一性，都被画家控制在一个矛盾、焦虑的区域。

“我不喜欢太清晰的东西，现在作品中的很多东西，得益于似是而非的不确定性。绘画太难了，困难是因为它太简单了，它是一个非常矛盾的东西。我的作品中，有一些反复性，有一些涂改重置，我觉得它就是有某种动画性。”

——赵洋

lot 2395

赵洋（B.1970）

行动者

2015年

布面油画、丙烯

200×400cm

签名：ZAO 2015.9( 侧边 )ZAO( 右下 ) 赵洋 2015.9（背面）

展览：

赵洋，上海香格纳画廊，上海，2016年

出版：

《赵洋》，香格纳画廊，2016年，封面

来源：

亚洲私人收藏

估价：RMB 300,000-400,000

《行动者》画面中几组持工具的劳动者形象，呼应了赵洋对“东北亚理想国”里“真正劳动者”的迷恋——这些形象被抽离具体时空，以纪念碑式的姿态矗立于红褐混沌的底色中，既像现实劳作的切片，又带超现实的荒诞感，契合他“徘徊在日常与神话间”的创作逻辑。赵洋惯以“削减”手法营造破败感，《行动者》里模糊的轮廓、破碎的线条，正是他刻意制造的“失控与未失控的平衡”；而形象间的疏离与聚合，又注入了他标志性的戏剧张力，让画面在矛盾、焦虑的氛围里，具有隐喻。作为他“画布法外之地”的实践样本，《行动者》以个体叙事的方式，在故事与当下之间，既藏着对劳动者群体的回望，也以异质元素的杂糅，传递出虚无与浪漫交织的视觉气质。

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马轲（B.1970）

西游记一夜蓝

2022年

布面油画

133×236cm

签名：西游记系列之《夜蓝》马轲 MaKe 2022.2.2 236×136cm ( 背面 )

来源：

亚洲私人收藏

估价：RMB 650,000-750,000

《西游记—夜蓝》是艺术家对传统文本进行当代转译的典型作品，既承载着文化交流的隐喻，也延续了他对绘画语言的探索。画面以棕红近黑为基底，上方铺陈浓郁的紫色块天空——既模拟“夜”的幽暗又增加的浪漫氛围，也契合他简化色彩以突出结构的创作逻辑；一条橙红色曲线如路径般横贯画面，消解了原著的线性叙事，转而成为视觉节奏的支点。师徒四人的形象被提炼为符号化剪影：持棍者（悟空）、骑马者（唐僧）等元素以勾线平涂的方式散落，既保留了形象辨识度，又剥离了叙事性，让观众注意力落于点、线、面的形式关系中。

lot 2397

闫冰（B.1980）

铁匠铺 No.1-No.6

2011年

布面油画

98×90cm、98×57cm、47×39cm、39.5×22cm、36×68cm、100×58cm

签名：闫冰 2011（右下）铁匠铺 No.1 闫冰 2011、铁匠铺 No.2 闫冰 2011、铁匠铺 No.2 闫冰 2011、铁匠铺 No.3 闫冰 2011、铁匠铺 No.4 闫冰 2011、铁匠铺 No.5 闫冰 2011、铁匠铺 No.6 闫冰 2011（背面）

展览：

闫冰，上海民生现代美术馆，上海，2016年

出版：

《闫冰 Yan Bing》，河北教育出版社，2016年，第138-145页

来源：

亚洲私人收藏

估价：RMB 1,500,000-2,000,000

当2011年的闫冰带着画布走进五舅即将关闭的铁匠铺时，他并未预料到，这间弥漫着铁屑与煤烟的幽暗空间，会成为他艺术生命的“重启键”。作为其绘画创作的真正起点，《铁匠铺》系列不仅以六幅作品，完成了对一个即将消逝的农耕文明现场的“静物式考古”，更在锈迹与留白中暗示了闫冰“以日常之物承载神圣性”的核心精神——他将个人记忆、文明隐喻与绘画语言，刻铸在铁匠铺的炉灶、铁砧与农具之上，让一间乡村手工作坊成为观察当代中国乡土文明转型的窗口。

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唐永祥（B.1977）

像是女人的局部 蓝色背景的

2011年

布面油画

80×100cm

签名：唐永祥 2011（背面）

展览：

皮肤——唐永祥个展，禾木空间，上海，2012年

出版：

《唐永祥 2009-2017》，三川出版社，2018年，第127页

来源：

亚洲私人收藏

估价：RMB 250,000-350,000

《像是女人的局部 蓝色背景的》作品以现成身体图像为创作底稿，却在直觉与偶然性的指引下完成深度拆解：层层覆盖的颜料消解了身体局部的现实主义质感，将三个女性姿态具象形态褪化为碎片化的视觉符号，蓝色背景的几何分割则打破传统构图惯性，把负形空间推至视觉焦点，彻底抽离了原始图像的叙事性。在形式建构中，他摒弃“视觉舒适”的惯性，以点线面的重构建立新结构关系——画面中身体局部的模糊笔触，与蓝色背景的硬朗色块形成质感对冲，暗合其“刻意植入不和谐元素”的创作自觉，让形与形、层与层之间形成隐性牵制。这一过程恰是对现成图像的消减，最终落入个人化的抽象表达领域。作品以身体符号的碎片化、空间秩序的重构，挑战观者对身体图像的惯性认知，完成了从图像复制到视觉反思的表达跃迁。

lot 2399

袁远（B.1973）

达达浴室

2014年

布面油画

180×103cm

来源：

亚洲私人收藏

其实我是在用油模仿水，油像不会干的水。中国纸也会产生这样的效果。所以我画前将颜料都稀释了，如果控制不好太干了我会在颜色干后再罩染上一层，很古典的画法，让物体湿润的接在一起。我是很喜欢水，所以我的工作室在多雨的杭州舒服点。但事实上要有一个属于自己的工作室都非常难，无论是钱还是时间上，最高纪录是一年搬了三次工作室，我有一伙搬家公司的朋友，常见面。所以，即使你是个乐观的人，常常心情也会很差。

——袁远

lot 2400

李青（B.1981）

邻窗·杭州中信银行大楼

2021年

老木窗、油彩、平板绘画、UV打印、有机玻璃

159×94.5×9cm

展览：

1 李青：灯塔与摇篮，当代唐人艺术中心，北京，2021年

2 平板向度：从纸面到虚拟的视觉艺术，浙江美术馆，浙江，2021年

来源：

亚洲私人收藏

估价：RMB 280,000-350,000

李青从2011年创作《窗》系列开始，李青整理出一条比较清晰的线索，这条线索也穿插在他的其他系列的生长当中。到了2021年，他开始关注中国近些年的新建筑以及建筑美学的审美新趋势，《邻窗·杭州中信银行大楼(诺曼·福斯特)》就是他在这一阶段的创作成果，延续了他对当代消费主义、美学传统的思考。李青想从原本的系列中找到新的可能和突破。他对绘画的本体性保持着关注。绘画是什么？它的产生和观看机制是怎样的？如果从这些问题去深究，会发现典型的西方绘画最开始就是跟建筑结合的，绘画配合建筑成为总体艺术的一部分。建筑中的壁画如同打开一扇窗，把另一个空间纳入特定的空间范围内。此件作品中的图像为中信银行杭州总部大楼，是钱江新城主轴线标志性形象之一，李青将杭州中信银行大楼图像绘制处理并镶嵌在老式木窗里。老式木窗作为城市更新中废弃的建筑残件，带有历史的痕迹和时间的质感。新式建筑与老式门窗的结合，打破了常规的观看方式，创造出一种独特的视觉体验，让观众仿佛真的透过旧窗户在观看现实中的建筑。使过去与现在在同一画面中相遇，引发观众对时间流逝、城市变迁的思考。也投射出一种文化上的距离感和时间交错的隐秘呼应，反映了在全球化背景下，本土文化与外来文化的碰撞与融合。

lot 2401

张英楠（B.1981）

西部

2017年

布面油画

200×200cm

签名：《西部》 布面油画 2017 200cm×200cm 张英楠（背面）

出版：

《张英楠：未来》，RIZZOLI 出版社，2024年，第47页

来源：

亚洲私人收藏

估价：RMB 450,000-600,000

张英楠创作于2017年的油画《西部》，是其探索“空间叙事与地域文化共生”创作脉络的典型实践。作品以几何化的理性构成与超现实的视觉悖论，重构了“西部”这一文化符号的当代艺术表达。画面以极具建筑感的几何空间为基底，灰色调的内部空间墙面被光影切割成锐利的块面，形成冷峻的理性秩序。中间嵌入的西部建筑小画与下方的镜像反射形成视觉互文，现实中的荒原建筑与镜像里的蓝色虚空构成认知张力，打破了物理空间的边界——这种处理既延续了他对“空间错觉”的长期探索，又将西部地域的荒芜质感纳入现代性的空间框架中。

张英楠以精密的几何构成融合超现实手法，摒弃对西部景观的写实描摹，转而以符号化的建筑、镜像化的空间，挖掘地域文化在当代语境下的精神意义。这种风格在其系列创作中一以贯之：通过理性的形式语言传达感性的地域记忆，以空间的当代性解构地域符号的惯性认知。《西部》正体现这一特质：他将西部建筑置于几何囚笼与镜像迷局中，使地域文化在理性与感性的拉扯里，暴露出个体对荒原记忆的眷恋与对现代空间的疏离，最终在油画语言的实验性中，完成了对西部精神的重述。

lot 2402

黄一山（B.1983）

收藏者

2008年

布面综合材料

120×150cm

签名：Huang Yishan 2008.6（右下）

展览：

1 第四届成都双年展，成都市美术馆，四川，2009年

2 三人形·拟真，汇豪社，广州，2009年

出版：

《第四届成都双年展》，河北美术出版社，2009年，内页

来源：

亚洲私人收藏

《收藏者》是黄一山研究生阶段“画中画”与空间叙事实验的典型载体，既延续了对艺术史经典的挪用，也显露出对“劳作性”与物质性的早期探索。画面以平行透视构建规整的室内空间：金色纹样墙纸与菱形地砖的肌理，通过塑形膏、印章拓印等综合材料手工打磨，呈现出近似实物的“物性”，呼应了他日后“在画布上装修”的创作逻辑。主体人物以躬身姿态探入红色展示柜，动作的机械感与空间的精致感形成反差——这一“收藏”行为并非对艺术品的占有，更像是对艺术系统的介入与审视。

lot 2403

许宏翔 （B.1984）

玩偶

2022年

布面丙烯、油画

200×150cm

签名：许宏翔 xu 2022(背面)

展览：

许宏翔：错图，艺·凯旋画廊，北京，2022年

出版：

《许宏翔 2018-2022》，凯旋画廊，2023年，第154页

来源：

亚洲私人收藏

估价：RMB 120,000 -150,000

2016年起，许宏翔便开始不在画面内容中生产意义，意图十分明确，要让画面和意义彻底脱钩，很多东西反而变得清晰且自由了起来。从图像到画面，对许宏翔来说，图像不是绘画的敌人，但也不是绘画的素材，他关心和重点研究，反复实验的对象在于绘画本身。许宏翔始终在寻找图片的碎片，既无叙事关系，又无完整审美。在不断的删除、叠加和重组中，让碎片重新形成一个混乱得恰到好处的图像，从“好图”变成“错图”。这些“错误的图”，丧失了自己的完整性，无法独立承担叙事和审美的功能，才能为他所用，成了另一种“不正确的选择”出现在他构造的画面中。

lot 2404

李然（B.1986）

迈向未来

2018年

布面油画

90×120cm

Li Ran 李然 2018（背面）

来源：

亚洲私人收藏

李然的创作多被称为“新绘画”，描绘小知识分子这一特定阶层的生存困境和精神焦虑，籍此表现被主流历史和全球化所遮蔽的暗角。2017年，李然从北京搬到上海，沉浸于工作室中与画布、画笔打交道的日常生活。这一时期，他吸取中国近代讽刺漫画的传达方式，又杂糅了18、19世纪欧洲叙事绘画类型，以封闭的背景、舞台式的人物姿态和视角，刻画着苦涩又浪漫的情绪，对历史“档案”进行重新诠释与转化。《迈向未来》中两个姿态不同的年轻人在自动人行道上前后站立，一人远望一人垂首，背后的壁画上桂林山水、太空星系、金字塔和恐龙等物象并置，营造出极具未来感与超现实感的氛围，人物虽然似乎不为所动、沉默以对，但自动人行道仍将把他们平稳地运送到未知的将来。

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云永业（B.1990）

雅典之爱（一组）

2022-2023年

小：木板油画、大：布面油画

小：17.5×14.5cm

大：120×90cm

签名：YUN YONG YE 2023 08( 右下 )，雅典之爱 布面油画（裱于木板）120×90cm 云永业 2023 08（背面），雅典之爱木板油画 17.5×14.5cm 云永业 2022（背面）

来源：

亚洲私人收藏

艺术家云永业常以写实的绘画方式，将古典与奇幻这两种矛盾的两种元素完美融合。他的创作题材不局限于传统写实，而常以超现实主义元素融入创作，使作品即有写实的表达形式，又独具怪诞奇幻的氛围。在作品《雅典之爱（一组）》中，云永业将其擅长的微型画作和相对大幅的作品并置，两幅内容一致的画作以尺寸的对比同时造就了视觉上的同步与反差。画中西方古典的大理石雕塑成为西方文化中黄金时代和人文主义的象征，而两侧冷暖对比强烈的光线则赋予画面更具未来感的气质，以当代的视角重构古典的意象，承载着个人复杂的情感与哲学思考。

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刘聪（B.1987）

纸 No.12

2022年

布面油画

签名：LIU Cong 2022（背面）

展览：

刘聪：漫长的此刻，香格纳画廊，北京，2023年

来源：

亚洲私人收藏

估价：RMB 220,000-300,000

刘聪长期以来对“绘画”作为表达方式展开持续的探索。在去除了图像描绘、叙事性及知识生产等表达手段之后，刘聪选择使用多种不同的现成品作为“模特”。在强调身体在场性的同时，通过对这些“物”在画面中进行人为的“形象创造”，伴随抽离式的思考，释放出具备精神属性的画面，并赋予形象一种感受性的张力。层叠弯折的纸张、被束紧的气球、玻璃中透出的微光，都被提炼为纯粹的形色关系、光影变化与几何结构。这些元素共同构成一种“结构通道”，艺术家会跟随画面的自然诉求推进绘画的工作，也引导观众进入作品所营造的内在观看秩序之中。

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张雪瑞（B.1979）

四百

2010年

布面丙烯

签名：《四百》 2010 张雪瑞（背面）

展览：

中国抽象艺术案例展，德山艺术空间，北京，2014年

来源：

亚洲私人收藏

张雪瑞的作品原理很简单，就是排列色彩的渐变。从调色开始,再到上色的过程,灯光的影响以及肉眼对色彩的最终把握这一切都需要长年的实践经验。当色彩被准确把握之后，为了视觉的节奏感，将不同的色块梯度连接在一起。而张雪瑞的创作中最具难度的部分——色彩渐变，并没有被她当作“亮点”去做突出的表现，而是重新掩埋在对视觉的最具常理和同情心的编排当中。当一位艺术家不再强调实现作品的“难度”，而是用掩盖的方式处理这一难度的时候，作品就具备了一种恰当的气质与厚度。一旦拥有了这一点，她就不会告诉任何人有关时间与空间的大道理，也不会去宣告艺术与社会的关系，因为她感受到自己每时每刻都在这样的存在里，而她要做的不是炫耀这个发现，而是在发现之后，继续怀着喜悦和怜悯的心情，经营着这个世界。