通过艺术提纯引发时代共鸣——大型原创民族舞剧《原风》创作研究

发布时间：2025-07-13 22:44:45  浏览量：2

民族舞剧《原风》剧照 刘海栋 摄

作为舞剧《原风》的主创团队成员之一，我亲历了这部作品从构思到落地的全过程。这部以东北秧歌传承人乔梁为原型的现实题材舞剧，既是对北方地域文化的一次深度探索，也是新时代文艺创作理念的实践缩影。我们以“真实故事舞台化、非遗技艺现代化、青年培养体系化”为创作核心，试图通过舞蹈语言打破传统叙事框架，将地域文化传承与时代精神相融合。在此过程中，也深刻体会到：艺术创作既要扎根人民、深挖文化根脉，也要以创新思维激活传统文化的当代生命力，最终实现文艺作品“培根铸魂”的社会价值。

现实题材创作的新时代转向

在《原风》的创作初期，团队便确立了“以人民为中心”的创作导向。选择东北秧歌传承人乔梁的故事，并非偶然——她的艺术生涯跨越六十余年，亲历了东北秧歌从民俗仪式到舞台艺术的转型，其个人命运与文化传承的历程紧密交织。我们深入乔梁的生活，记录她在田间采风、育人授课的真实细节，甚至将排练厅的饭盒、磨损的腰铃等道具融入剧情。这种“生活真实”的积累，为后续的“艺术真实”奠定了基础。例如剧中“镜中对话”的舞段设计，正是源于老一辈艺人乔梁对年轻演员的言传身教：剧中人物老年梁原与青年梁原在镜面装置前的时空重叠，既是对传承断层的隐喻，也暗含对代际隔阂的哲学思考。

文化传承绝非简单的技艺复刻，而需通过创造性转化赋予其当代价值。我们将濒临失传的腰铃舞、小鼓技法解构重组：腰铃的金属碰撞声被转化为命运交响，小鼓的节奏成为角色情感的外化符号。在“雪地寻根”舞段中，演员们踩着传统秧歌的“稳、浪、扭”动律，在舞台上重构出冰雪森林的意象空间。这种创作尝试不仅是对传统文化“活态传承”的响应，更是在实践中验证了传统文化与现代审美的兼容可能。

青年人才的培养始终是团队关注的重点。通过与黑龙江艺术职业学院的深度合作，我们构建了“院校-院团”协同育人机制：职业演员（A组）与在校学生（B组）同台竞演，通过对比暴露教学短板；学生在八场公演中经历从技术模仿到艺术创造的蜕变，甚至将排练失误转化为即兴创作的灵感。这种“实践反哺教学”的模式，体现了新时代艺术教育不应局限于课堂，而需在真实创作中锤炼学生的综合素养。正如一位参与演出的学生所言：“端着饭盒穿梭排练厅的日子，让我真正理解了什么叫‘戏比天大’。”

非遗传承的创造性转化路径

东北秧歌从民俗仪式到舞台艺术的转型，本质上是一场文化基因的当代解码。我们摒弃了传统秧歌表演的程式化套路，转而构建起独特的舞蹈语法体系。例如“回忆”舞段中，“神鼓摇铃”既是非遗传统文化，又在葬礼场景中化作血色的哀悼符号——通过道具的意象化运用，“神鼓摇铃”的“摆”与“敲”被赋予情感叙事的深度。这种创作手法并非对传统的背离，而是对文化内核的深层挖掘。正如我们在采风中发现：老一辈艺人的即兴表演中本就蕴含着强烈的情感张力，只是长期被固化的展演形式所遮蔽。

代际传承是贯穿全剧的隐形线索。剧中设置了三组传承关系：师父与青年梁原的跨时空对话，揭示了技艺传承中的精神坚守；老年梁原与学生的师徒互动，展现了“口传心授”的教育智慧；而青年演员在排演中从模仿到创造的转变，则印证了“传承即创新”的当代命题。这种多层次的叙事设计，源于我们对现实困境的观察：在佳木斯的一次田野调查中，一位老艺人痛心于年轻人对秧歌的误解——“他们觉得扭秧歌就是广场舞”。这促使我们在创作中强化“精神传承”的表达，通过“饭盒誓言”“镜中独白”等细节，让观众感受到传统文化与非遗传承不仅是技艺的延续，更是一种文化信仰的传递。

文旅融合的探索为非遗传承开辟了新路径。如该剧在佳木斯大剧院公演期间同步推出“秧歌研学工坊”，邀请观众体验腰铃舞的即兴创作。这些实践让我们意识到：非遗的当代传播需打破剧场边界，构建“艺术+科技+产业”的生态链。正如一位参与研学活动的游客感慨：“原来秧歌不只是热闹的节庆表演，它承载的是一代代人的生命故事。”

人物塑造的美学突破与时代价值

梁原这一角色的塑造经历了从“典型化”到“人性化”的转变。初期剧本曾陷入英模题材的窠臼，将主人公塑造成无私无畏的“文化殉道者”。但在与乔梁的深度交流后，我们决定展现她作为普通女性的多面性：既有丧夫时的脆弱痛哭，也有面对女儿拒受衣钵的愤怒与失落。在“雪地独舞”的高潮段落中，演员通过肢体语言将绝望转化为执着——扭曲的秧歌步态、与风雪对抗的即兴旋转，这些设计并非刻意煽情，而是对真实人性的艺术提纯。一位观众在留言中写道：“我从梁原身上看到了我母亲的影子，那种明知艰难仍要坚持的倔强，正是我们东北人的精神底色。”

群像塑造是集体记忆的视觉化呈现。我们大胆起用15岁至80岁的演员同台：老年组展现活态传承中秧歌的拙朴，中年组演绎传承中的变化，青年组则以现当代编舞技法诠释传统元素。这种“年龄分层”的设计，缘于一次排练中的意外发现：当80岁的乔梁与15岁学生共舞时，两代人动作质感的差异竟构成强烈的戏剧张力。我们意识到，这种代际碰撞恰恰是文化传承的真实写照——传统不是静态的标本，而是在代际对话中不断生长的生命体。

身体与空间的对话拓展了叙事维度。从老旧的排练厅到辽阔的黑土地，空间的延展暗示着艺术境界的升华；镜面装置既映射技艺传承的精确性，又折射出一代代“守”艺人的不易。在“高粱红了”段落中，演员通过服装装置的瞬间转换，完成从少女到传承者的身份蜕变，这种“魔术式”的视觉呈现，实则是我们对“传承即蜕变”这一命题的具象化表达。

《原风》的创作历程，是一次对新时代文艺创作规律的深度探索。其一，文化根脉的挖掘需超越表象，要透过技艺形式触摸精神内核；其二，创新不是对传统的颠覆，而是通过当代表达激活文化基因；其三，艺术教育必须与创作实践深度融合，在真实项目中锤炼人才的综合素养。这部作品的成功，让我们更加坚信：现实题材创作的价值不在于复刻生活，而在于通过艺术提纯引发时代共鸣。未来，我们计划让更多像《原风》这样的作品成为连接传统与当代、本土与世界的文化桥梁，真正实现“让收藏在博物馆里的文物、陈列在广阔大地上的遗产、书写在古籍里的文字都活起来”的时代使命。